Esta pieza forma parte del proyecto Piedra partida, en el cual, desde el 2015, regreso continuamente al lugar de origen de mi familia en Zacatepec, Tepexi de Rodríguez, Puebla. Con la intención de aprender de la agricultura tradicional, acudo regularmente en las temporadas de siembra y cosecha. Mi experiencia de trabajo de campo y lo que sucede alrededor de ella, se desdobla en mis procesos de dibujo, escultura, fotografía y video.

Las imágenes que conforman el díptico Hacer monte: La tierra quema y lo que se dice se hace, son el resultado de dos acciones performáticas, ambas con la premisa de modelar “montes”. La primera, consistió en golpear una piedra con un machete hasta darle forma, en la segunda, en la punta de un cerro, se juntó y coló tierra para formar una arcilla, con la cual se modeló. Ambas acciones fueron llevadas a acabo en tierras abandonadas que anteriormente eran de cultivo. Los resultados quedaron a la intemperie, uno aún persiste y el otro se deslavó con el tiempo.

Antonio Bravo (Estado de México). Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado ENPEG “La Esmeralda”. Ha expuesto de manera individual y colectiva en espacios y museos de México como el MUAC, Museo Amparo, Museo Zacatecano y el MASIN, en Sinaloa.

El trabajo artístico que hago está inspirado en la noción del fantasma. Busco a través de historias locales, creencias y hechos pasados sin verificación científica, pero con una reflexión sobre la realidad. No hay pruebas, no hay videos, no hay fotografías decisivas, solo historias, creencias, leyendas, objetos o monumentos. Los fantasmas se describen como energía residual, resultado de un proceso que ya ha finalizado por diversas circunstancias, una de las cuales podría ser la muerte. Por eso, el tema también aparece de forma recurrente en mi trabajo. Me dedico principalmente a la pintura y la entiendo como una especie de fantasma. De la misma manera, utilizo el video y establezco relaciones entre el espacio y ciertos elementos que me ayudan a revelar mi universo. Utilizo la intuición como herramienta creativa y uso el misterio para velar las piezas que hago con mensajes sutiles.

Verónica Bapé (Ciudad de México) Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado ENPEG “La Esmeralda”. Obtuvo premio de Adquisición en la I Bienal de las Fronteras, Tamaulipas (2016), mención honorífica en la X Bienal de Pintura Alfredo Zalce (2016), mención honorífica en la XII Bienal de Pintura Joaquín Clausell (2017) y seleccionada en la XVIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Cuenta con residencias artísticas en Fundación Bilbao Arte (España, 2015), ArtHouse (Tulúm, 2017) y Nordisk Kunstnarsenter (Noruega, 2019). Ha expuesto de manera individual y colectiva en Noruega, Alemania, Italia, Canadá, Uruguay, Brasil y México.

Lenguas muertas es una serie de obras con las que aborda diversos cuestionamientos sobre la imagen, el registro, el paisaje y el despojo, la destrucción implícita en in-mundo de recursos explotables y transformables y que dan cuenta tanto de la asimetría sistemática de la creación de capital, como del vórtice que construye su propia dinámica para finalmente cancelarse.

A partir de la oposición de materiales residuales de fundición de metales, escorias, lenguas y escurrimientos residuales, yuxtapuestos a imágenes que el artista ha recortado, guardado y coleccionado a lo largo de años, estas obras proponen la idea de la imagen como cancelación de su imagen y que es, a su vez, la imagen del mundo que formamos, un espejo que reposa mirando al piso, una imagen que ya no nos ve.

(Ciudad de México) Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado ENPEG “La Esmeralda”. Su investigación aborda las tensas relaciones entre poder-forma-resistencia y utiliza medios y lenguajes cercanos a la instalación, la escultura y las acciones. Opera bajo el principio de colisión constante y se materializa en los restos arrojados de dichos procesos. Ha mostrado su trabajo en museos, bienales, espacios independientes y galerías a nivel nacional e internacional, tales como la X Bienal Internacional de Arte Contemporáneo, en Estambul; Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, en México; Museo de Arte Moderno, en México; Museo Amparo, en Puebla; San Fran- cisco Art Institute, Boston Museum of fine Arts, Museé d’Art Moderne de la Ville de Paris, 5a Bienal de Moscú, X Teresa Arte Actual, México, Kunstraum Munich y Kunst Bethanien Berlin en Alemania; Museo Experimental El Eco y MACO, en Oaxaca, entre otros. Autor y editor de Gato Negro Ediciones. Ha sido tutor, maestro y tallerista en diversas instituciones e iniciativas educativas como La Esmeralda, UNARTE, Tutor de la 6a. Edición de la Beca Bancomer-Carrillo Gil, tutor en el Festival Interfaz, tallerista X Teresa Arte Actual, maestro en ESCINE, SOMA y SFAI entre otras.

La Habitación es pieza que forma parte del proyecto: Neuma, una serie de acciones efímeras sobre la piel de la artista, realizadas con materiales clásicos del linograbado y registradas en foto y video. Esta serie está conformada por textos y diagramas que representan una investigación poética sobre la idea de lo micro y lo macro, lo íntimo o secreto y las tensiones que se crean con la esfera de lo público. Desarrollar mi propia definición de una habitación en términos poéticos, conceptuales y dentro de mi práctica artística, se ha convertido con los años en toda una búsqueda que llegó a convertirse en mi propio statement.

“La habitación retoma la forma de una membrana, un tejido flexible que en constante movimiento, se contrae y se expande hacia distintas direcciones, una interfaz sensible formada de materia viva en interconexión. Hacia adentro. Se inicia en lo personal, en acciones cercanas a una artesanía sencilla elaborada con formas y materiales comunes como una gelatina, una cuerda, un relato oral o mi propio cuerpo. Acciones que utilizan herramientas como el dibujo, el recorte, el grabado o las microhistorias. Hacia afuera. Movimiento dirigido a conocer y activar la relación del arte y la memoria, a generar amarres/encuentros con formas de activismo artístico, donde el feminismo, la ecodependencia y la autogestión han ido tomando mayor protagonismo. Acciones que utilizan herramientas como la gráfica expandida, el arte de participación, las intervenciones en el espacio público y la formación de colectivos de autogestión”.

Laura Valencia Lozada (Hidalgo) Licenciatura en Artes Visuales por la UNAM, donde se se especializó en arte participativo y en el espacio público en el Seminario de Medios Múltiples. Beneficiaria dos veces de la beca de Jóvenes Creadores FOECAH, del estado de Hidalgo. Formó parte del PEI-Programa de Estudios Independientes del MACBA, en Barcelona. Su investigación se orienta hacia la creación de dispositivos de memoria, la búsqueda de contra-relatos, el artivismo y la gráfica expandida. Ha sido impresora y organizado talleres de gráfica. En 2013 fundó en México la Unión de Coeditores Gráficos.

(Ciudad de México). Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado ENPEG “La Esmeralda”. Formó parte del programa MaPa (Maestría en Producción de arte) por parte de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos y del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (2016-2018). Becaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2014-2015) y del programa del Museo de Arte Carrillo Gil/BBVA-Bancomer, 5ta gene- ración (2016-2018). Su obra se ha presentado en espacios no lucrativos e instituciones públicas y privadas como el Museo de la ciudad de México (2019), MUAC (2014), MACG (2018), Museo CaSa Oaxaca (2015), Casa del Lago (2016), Salón Silicon (2019), Galería Breve (2016), Ladrón Galería (2016) y ESPAC (2016). Participó en Material Art Fair (2019), la FILIJ Guadalajara (2014) y dentro del programa SITAC XIII (2016). Su trabajo fue apoyado por la embajada de México en la Federación Rusa gracias al proyecto “Máquina para polímeros” (2016-2018). Formó parte del programa de verano “The big shif- t:1990s. Avant- gardes in Eastern Europe and their legacy” dirigido por Boris Groys y Zdenka Badovinac, director de la Moderna Galerija de Ljubljana.

El aguacate, el “oro verde” de México, ha dejado de ser un producto de consumo diario para volverse un bien suntuoso, similar a otra mercancía de lujo, la de la marca Louis Vuitton, que ha recurrido a la colaboración de artistas contemporáneos como Takashi Murakami, Sol Le Witt, los Chapman Brothers o Jeff Koons para posicionar el valor simbólico de su mercado.

Balam Bartolomé (Chiapas) Licenciatura en Artes Visuales por la UNAM. Beneficiario de The Pollock-Krasner Foundation y la beca Jóvenes Creadores del FONCA. Tutor en el Seminario de Producción Fotográfica del Centro de la Imagen, SOMA, Centro ADM, Border, PECDA-Chiapas y Secretaría de Cultura de Colima. Su obra relaciona arte, naturaleza e historia y el cómo las culturas contemporáneas se relacionan con su pasado y se desarrolla como escultura, fotografía, dibujo, video y escritura. Ha expuesto en espacios no lucrativos, galerías y museos de Norte, Centro y Sudamérica, Europa y Asia. Artista en residencia en Arte ERA (2007), International Studio & Curatorial Program (2009), Nordic Kunstnarsenter (2011), Bemis Center for Contemporary Arts (2014), Fundación Casa Wabi (2015), Flora Ars+Natura (2016) y Sculpture Space (2017). Sus exposiciones individuales más representativas son Mexímoron, en el Museo Nacional de las Intervenciones (México, 2018) y Revés, en el Museo Carrillo Gil (México, 2014). Entre las colectivas la 1a BIENALSUR (Argentina, 2017), 1a Bienal de Bristol (Inglaterra, 2012) y 15a Trienal de Tallin (Estonia, 2011). Coordina, junto con Antonio Monroy, el proyecto de residencias e investigación artística Bienal Tlatelolca.

El dibujo que presento es una retícula de una mano, son las medidas exactas de mi mano, la palma y el reverso, también de las puntas. Es como si me hubiera quitado la piel de mi mano, la hubiera aplanado y se hubiesen vuelto líneas. Desde hace unos cinco años el cuerpo se ha vuelto una parte muy importante de mi trabajo, y en los últimos años mi propio cuerpo se ha vuelto principal en este.

Erik Tlaseca (Ciudad de México) Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado ENPEG “La Esmeralda”. Realizó un intercambio académico en la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá (2013). Cursó el Seminario de Producción Fotográfica en el Centro de la Imagen (2017). Ha mostrado su obra en México, Holanda, Polonia y Colombia. Becario del Programa Jóvenes Creadores del FONCA, en la disciplina de Medios Alternativos (2014-2015). Realizó dos residencias de producción en Motel Spatie en Arnhem, Holanda (2016 y 2017) y en WRO Art Center en Polonia (2016). Participó en la Bienal de Jakarta en Indonesia (2015).

En 2017 publica “INTERZONE”. Desde 2015 realiza la serie de publicaciones “La Extraordinaria Historia de Julia Pastrana”, en colaboración con Laura Anderson Barbata. Becario del Programa BBVA Bancomer-MACG y de la beca Jóvenes Creadores del FONCA. Miembro fundador de la Cooperativa Cráter Invertido, y actualmente miembro del Taller de Producción Editorial, el Colectivo Zúngale y el sello editorial Ediciones Dinguiri. Con el Taller de Producción Editorial ha impartido talleres en el CaSa, Oaxaca (2017) y en KUNCI, Jogjakarta, Indonesia (2018).